Vue normale
Bourse d'aide à la création émergente
Appel à projets PRIX COAL 2024 « Se transformer »
Appel à projets de création
Artagon Pantin
Rencontres professionnelles Présences #4
OPÉRATION ART BUS 2024-2025
Prix QPN 2024
- cnap.fr
- Appel à candidature pour un contrat postdoctoral (12 mois/Temps plein) : « Le centre d’art du Crestet ».
Appel à candidature pour un contrat postdoctoral (12 mois/Temps plein) : « Le centre d’art du Crestet ».
- cnap.fr
- Appel à candidature pour un contrat postdoctoral (12 mois/Temps plein) : « Eat Art – Dîners de Daniel Spoerri – œuvres immatérielles réactivables ».
Appel à candidature pour un contrat postdoctoral (12 mois/Temps plein) : « Eat Art – Dîners de Daniel Spoerri – œuvres immatérielles réactivables ».
Ateliers temporaires artistiques
Textes critiques d’auteur·rice·s de l’art
Prix SAIF Les Femmes s'exposent 2024
Appel à résidences "Presqu'îlien(ne)"
Formation continue - LabFab
RÉGISSEUR/RÉGISSEUSE
SERVICE CIVIQUE
Appel à projet / Résidence de recherche et de création 2025
1% artistique
1% artistique
1 % artistique
1% artistique
- cnap.fr
- Professeur·e d’enseignement artistique, coordinateur·trice de la classe préparatoire et du secteur Grand Public
Professeur·e d’enseignement artistique, coordinateur·trice de la classe préparatoire et du secteur Grand Public
Appel à candidatures | Open call
Apprendre, comprendre, pratiquer la lithographie : perfectionnement technique
Le livre d’artiste : de l’intention à la conception de sa maquette
- cnap.fr
- Monter un projet vidéo avec Da Vinci Resolve : bases techniques, méthodologiques et narratives
Monter un projet vidéo avec Da Vinci Resolve : bases techniques, méthodologiques et narratives
Le son : matière à récolter et à archiver en vue d’un projet de création
Portfolio en ligne : perfectionnement / Créer son thème avec le FSE Wordpress
Portfolio en ligne: Initiation au web et à Wordpress
PAPERWORKS 2024, USA
This competition is for Artists who use paper as their primary medium, works made on paper, of paper or about paper: cut paper, folded paper, woven paper, glued paper, drawings, paintings, pastels, printmaking, photographs, paper sculpture, 3D, bound books, collage,or as the subjectof a videoand installation.
Allentriesto thePaperworks 2024 competition must be the original work of theartist. Artist willbeallowed to submit up to 6 images and/or 2 videos
- ArtOpportunities.org
- Call for ILLINOIS Artists: College of Lake County Lakeshore Campus Waukegan, Illinois, USA
Call for ILLINOIS Artists: College of Lake County Lakeshore Campus Waukegan, Illinois, USA
The Art-in-Architecture Program of the Capital Development Board is pleased to announce a Request for Qualifications (RFQ) to Illinois professional artists for the purchase of permanent original art for the College of Lake County (CLC), Lakeshore Campus in Waukegan, Illinois.
The Lakeshore Campus along Genesee St. in Waukegan serves as a community hub, supports economic growth, and through educational opportunity leads to family-sustaining careers. This new facility connects directly to our vibrant arts community, highlights some of our most scenic views of our lakefront and downtown opportunities, and utilizes Waukegan’s access to public transportation.
The new six-story Lakeshore Center is fully integrated into the campus linking the second and third floors to the existing 33 N. Genesee St. building.
The 62,000+ square foot addition includes a Welcome and One-Stop Center, Library, community meeting space, general education classrooms, labs, tutoring center, and other support services. It also allows expansions of existing programs including digital media, manufacturing, hospitality, horticulture, and entrepreneurship.
The total budget is $71,635 and will be used to purchase artwork from artists in a variety of media and themes. The College is interested in purchasing “mini-series” from multiple artists.
CALL FOR PHOTO SOLO EXHIBIT PROPOSALS, USA
Celebrating the start of its third decade of exhibitions, the Cincinnati based non-profit arts organization and gallery, Manifest, invites visual artists and designers to submit proposals of original lens-based bodies of work for consideration during the 2024/25 exhibit season.
On average, one-third of Manifest's exhibits are dedicated to solo exhibits. Solo exhibitors have included local, regional, and national artists from as far away as New York City, San Francisco, Canada, and Hong Kong. It is important to our non-profit mission that each of our seasons of free public exhibits consist of a balanced mix of solo and group thematic projects. The group shows provide diversity of approach, media, style, and geographic origin, while the solo exhibits provide a deeper insight into an artist's vision. Open to all traditional and non-traditional genre and media.
Anyone can submit a proposal. Artists should bear in mind the need for a consistent and very strong body of work when submitting. Quality of documentation/images affects the committee's impression of the submitting artist.
Includes exhibitor honorarium of $100 for each solo exhibiting artist, and new Grand Jury Award of $1,000 for one jury-selected work from among the exhibits on view.
Member’s Show Opening Reception, USA
Join us for our annual Member’s Show: Leave Your Mark. This exhibition focuses on the techniques and layers that build an artwork. Whether you're looking at mark-making, brush strokes, pencil marks, or even fingerprints in clay, it’s inspiring to see the artist's hand in their work.
Fiona Clark will be the juror for this Event. She is a New Jersey-based artist specializing in bright, bold, colorful abstracts that spark joy through ceramics, paintings, or public art.
Learn more about Fiona Clark on her website or in her press release.
Interested in entering your art – Call to Artists for our 2024 Member Show: Leave Your Mark
The Letter Review Prize, USA
The Letter Review Prize is free to enter. It is open in the categories of Short Stories, Poetry, Nonfiction, and Unpublished Books. Total Prize Pool is $4000 USD for this round. Winners are published by The Letter Review, and considered for submission to Pushcart Prize etc. Open to anyone in the world: No style or subject restrictions. 10-20 Shortlisted in each category.
Gallery Ring ARTISTS OF THE MONTH Contest, USA
Gallery Ring announces the ARTISTS OF THE MONTH contest! A RUBY, SAPPHIRE, EMERALD and CRYSTAL Artist of April will be named.
The deadline to submit work is Tuesday, April 2nd 2024. The fee is $20 US for 1-2 artworks.
https://artgalleryring.com/entry-form-1.html
Winners will have their work featured prominently in a slide show on the front page of artgalleryring.com and will receive a digital Award Certificate and a special, digital Award Page ideal for sharing the news on websites, social media and clientele newsletters. They will receive exposure and promotion on Gallery Ring's Instagram, newsletter and will be featured in a special Winners video on Youtube. Winners are automatically entered into the annual Artists Of The Year Contest.
There isn’t any theme for this contest. The subject matter is the choice of the artist. All artistic styles from traditional to experimental are welcome. 2D artwork including photography/digital is eligible.
Cinematics Pictures, USA
CINEMATICSPICTURES
Freeentry│Call for Exhibition
Photographersare invited to submit 1 up to 3 photos addressing the theme.
Group Exhibition in Rome. December 2024
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The works collected thanks to this callwill put into evidence the most intrinsic meaning of the photographicmedium within the cinematic narrative/visual scene.
Fragments and extrapolations ofcontexts, settings, characters, details etc. which highlight theaesthetic value of a narration or place emphasis on the salientfeatures of a story.
The position of the spectator inviewing the cinematographic product is always determined by thephotographic/filmic eye that captures, and the exhibition willtherefore highlight the role of the photographer with his technicaland aesthetic choices in determining the involvement of the user inthe construction of a story.
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Submissions » http://bit.ly/loosenartcalls
Deadline September, 27th 2024
Open Call Alchemy Prince Edward County 24, deadline April 15, USA
ALCHEMY is an artist-led international residency exploring the common themes between artistic practice and the growing, cooking and sharing of food in community settings. Since 2017, this residency has taken place in rural Hillier, Prince Edward County, Ontario, Canada, during the harvest season.
ALCHEMY 2024 plans to host and curate 8-10 artists for two weeks in August 2024. Participating artists may:
● Offer a (paid) community artist talk, workshop or demonstration.
● Pursue studio work, likely in a local community public space.
● Participate in Open Studio events during the Residency.
● Be paired with a local artist, winery or farm in order to consider work in situ.
Two long-time collaborators will facilitate Alchemy 2024 ‘s programming. Claire M Tallarico is a visual artist and trained chef whose social practice explores how the everyday activities of artmaking and food sharing can contribute to the well-being of artists and further community engagement for a community and its citizens. Tonia Di Risio is a visual artist whose work has developed through ongoing investigations of the growing, making, preserving, celebrating, and sharing of food.
Artists who wish to live in a community setting while making art and sharing meals are encouraged to apply. Applications must include an artist's CV, an artist statement, a letter of intent, and images/from the artist's website. The accommodation (shared or single), programming, and coordination costs are between $1050 and 1150. Updates to the bursary and artist fee info will be posted when available on our website.
Details about how and where to submit your application BY APRIL 15th, 2024 can be found at www.makealchemy.com Questions? Please email: info@makealchemy.com
- ArtOpportunities.org
- National Oil and Acrylic Painters Society 2024 International Spring Online Exhibition, USA
National Oil and Acrylic Painters Society 2024 International Spring Online Exhibition, USA
The National Oil & Acrylic Painters’ Society(NOAPS) invites oil and acrylic painters from all across North America and International Artists to apply to our exhibit honoring the Best in oil and acrylic painting. NOAPS has been showcasing the talents of oil and acrylic painting.
This is an INTERNATIONAL juried online competition open to ALL artists 18years of age and older working in Oil and ACRYLIC medium. Both members and non-members of NOAPS may apply.
· 200 Artworks accepted into the show and eligible for awards
Exhibit in Brazil - Momentum Exhibition, USA
Show your work in Brazil without having to be physically present.
The artists will not have to worry about anything. No printing, no framing, no crating, no shipping, no customs. We will take care of every detail.
- OPEN THEME
- Artists from all nationalities, backgrounds and styles are welcome.
- All mediums accepted but the artworks must be in DIGITAL FORMAT, meaning that paintings, mix-media, sculptures and other formats will have to be photographed and sent to us. Short videos/performances are also accepted.
- We will print and mount all the selected images in Brazil.
- FREE Submission - Only the artists who get selected for the exhibition will be asked to pay the participation fee in order to cover the expenses.
- Submission Deadline: Thu 4 April 2024
Please visit our website for more info.
CALL FOR ARTISTS | Al-Tiba9 Art Magazine Issue16, USA
THE CALL FOR AL-TIBA9 ART MAGAZINE ISSUE16 IS NOW OPEN.
DEADLINE - MaY 15th, 2024
Al-Tiba9 Art Magazine is an internationally established publication that showcases experimental contemporary art through a diversity of mediums in Digital Arts, photography, painting, architecture, sculpture & installations, Film & Video Art, fashion design, interior design, and performance.
Al-Tiba9 Art Magazine features selected artists, architects, and designers from around the globe with a high focus on contemporary art and those holding a detailed vision of the future. This upcoming edition will count up to 116 curated pages of artworks, biographies, statements, and interviews with the highest level artists working with a vast range of different mediums in digital arts, photography, painting, architecture, sculpture & installations, film & video art, fashion, interior design, and performance.
After being included in the most important art events, art fairs, exhibitions, and museums, the Al-Tiba9 magazine became a unique space for artists and designers to freely express their artistic vision and - in effect - become the original media themselves. The selected artists will also benefit from international exposure thanks to our cultural partners, such as one of the most influential Contemporary Art fairs in the world, ARCOmadrid, and ARCOlisboa. In addition, the magazine will be showcased as a limited edition ArtBook in ArtsLibris Barcelona at the MACBA Contemporary Art Museum of Barcelona, and distributed worldwide. In addition, they will be engaged with our readers and followers every day through our social media, website, print, and digital issues.
NOTES:
• Edition: July 2024.
• ISSUE16 is 100% curated editorial content. No commercial Ads published.
• Selected artists get featured in the magazine with up to 6 pages in both print and digital versions.
• Selected artists benefit from international exposure in the artist book fairs in Barcelona, Madrid, and Lisbon.
• All selected artists will be promoted on our website and newsletters.
• Al-Tiba9 Magazine showcases up to 116 high-level designed pages, printed in high museum quality paper.
• Al-Tiba9 Magazine is distributed worldwide and available for purchase on our online store.
ELIGIBILITY:
- Artists are welcome to submit their work. All techniques are welcome.
- Artists from all countries are welcome to submit.
- Artists featured in past Issues can submit new works.
HOW TO APPLY:
Visit the open call page and submit your application
Open Call Round 60 July - September 2024, USA
Since 2007 "PILOTENKUECHE" is an international art program based in Germany's new art capital Leipzig. The independent project is run by artists to support and empower artists.
The International Art Program invites 12 Artists from around the world for each round, to work together in our 465m² communally used studio space and realize one or exhibitions during their stay. The studio is located in a romantic, remodelled old barbed wire factory. With its exposed bricks large windows, high ceiling, and above all underfloor heating, this environment is inspiring. Our concept strives to create a communal space that can lead to experimental collaboration and discourse between participants, as well as with the greater Leipzig community.
Our program is multi-faceted. Firstly, it includes visiting artist studios, exhibition spaces, project spaces, exhibits, and going on gallery and museum tours. Secondly, almost weekly held consultations together with the curatorial team, to discuss your work, get feedback or challenge it through a different perspective. A preview exhibition or open studio event presenting initial work, takes place mid-way- culminating in a final group exhibition in an exciting venue. The project publishes an article about each artist on our website and offers documentation to all activities, including installation pictures from the openings. Starting each quarter, one round of our residency program is 3 Months. The program is open to all disciplines, we offer basic tools, but assist if special ones are needed.
The studio space:
- one furnished studio of up to 36m² per artist in our 465m² large communal loft.
- underfloor heating
- concrete floors
- Wi-Fi, and utilities
- Access to basic tools
- approximately twelve international artists per round
- shared use of tea kitchen
- moveable walls that convert into exhibition space with areas of up to 150m²
Program
- Gallery and off-space visits and museum tours
- Studio Visits
- bi-weekly consultations with our curatorial team of international emerging curators
- interview, published on our website
- Friday potluck lunch
- Selected artists participate in our events & exhibitions:
- Preview exhibition / extended open studio:
- final exhibition
Service
- individual consultations by agreement with curatorial advice and critique
- published article about your work
- Photo-Documentation of the project, prof. installation pictures of the exhibitions
- assistance with visa processes, funding/scholarship applications, artistic/theoretical / logistical questions
- curation, event & exhibition organization for the final exhibition
- web-, graphic-, & advertising / press design, its production & release for the project
- ‘Welcome to Leipzig’ letter & guide
Accommodation costs are additional, the project offers one apartment which hosts two artists. We have a network of people who host our artists on a regular base.
The primary languages in use are English and German.
The artists receive all documentation necessary to apply for funding and the visa processes. If required, the project assists with additional individual reference letters. In Addition each accepted artist is offered a partial stipend in kind, provided by PILOTENKUECHE. Furthermore we maintain engagements with several friends, to get in contact with the Leipzig art scene and increase the artists visibility.
PAN e METAPAN a Napoli
Il PAN | Palazzo delle Arti Napoli, istituzione ospitata negli spazi di Palazzo Carafa di Roccella, in tempi non sospetti è stato molto attivo su tematiche d’avanguardia come le ricerche attorno al digitale, è in procinto di riaprire i suoi spazi nel 2025 come Museo dell’Immagine.
Pensato come centro di ricerca, con una programmazione curata da Vincenzo Trione, avvia ora le sue attività con il METAPAN, che anticipa anche l’architettura legata alla ristrutturazione dell’architetto Giovanni Francesco Frascino che intende “ripensare l’attuale configurazione del PAN, riaffermando con forza l’originaria vocazione urbana dell’edificio settecentesco”.
“Alla riapertura”, così annuncia il comunicato stampa, “gli spazi del museo comunale saranno destinati al Museo dell’Immagine. Fotografia, cinema, digital art, ma anche pittura e scultura in dialogo con i nuovi media. Museo come territorio dell’iconosfera. Un luogo in cui scoprire come le immagini oggi si trasformano, si contaminano e si ibridano, contribuendo a mutare il mondo che abitiamo”.
Il METAPAN inaugura le attività di questo spazio nel Metaverso con una meta operazione curata da Maria Grazia Mattei, direttrice del MEET a Milano e Valentino Catricalà, con il lavoro di quattro artisti italiani che lavorano su scala internazionale: Chiara Passa, Davide Quayola, Auriea Harvey e Bianco-Valente. Il tutto si avvale della supervisione tecnica dell’architetto Giuliano Bora, che ha realizzato lo spazio all’interno di una piattaforma immersiva tridimensionale in maniera estremamente curata.
Dopo aver attraversato il viale e ammirato l’architettura del futuro PAN, si entra al suo interno dove le i quattro progetti dei rispettivi artisti selezionati sono immaginati come site specific, quattro diversi modi di invitare il pubblico nel progetto futuro architettonico ed espositivo, diverse tipologie di produzione artistica traslate in esperienza nello spazio.
Sulla sinistra si entra nel progetto di Chiara Passa, dove la sua serie di Object Oriented Stones, sculture tridimensionali fruibili in realtà aumentata, è traslata nello spazio virtuale. Entrando all’interno di una gigantesca pietra-scultura, si esplora il paesaggio in maniera giocosa invitati a catturare le dieci pietre che del paesaggio sono parte integrante.
Sulla destra la stanza dedicata a Quayola, artista che pone il suo lavoro tra reale e artificiale, tra tradizione modernità attraverso un ampio uso di algoritmi, presenta la Laocoön Sequence, traslazione della sua serie di studi sul Lacoonte nel digitale, presentate in uno spazio espositivo virtuale molto curato, anche per quello che riguarda l’illuminazione.
Proseguendo, incontriamo il lavoro dell’artista e scultrice Auriea Harvey che catapulta il nostro alter ego virtuale una ziggurat perduta, una stanza ma anche una condizione che scaturisce da mistero e inquietudine, posto inospitale dal quale si rimane però attratti, complice anche il suono che accompagna la permanenza.
Il duo Bianco Valente mette in relazione linguaggio umano e sistemi informatici. Il lavoro, ma soprattutto la loro presenza in questo progetto, due artisti da sempre interessati alla dualità corpo-mente e impegnati in progetti relazionali per lo più legati al territorio alle comunità di tutto il mondo, la città natale Napoli in primis, lascia intravedere l’intenzione di una progettualità del PAN che si pone tra più dimensioni, su un piano interdisciplinare, e senza mai perdere di vista le radici con il territorio.
METAPAN, a cura di Maria Grazia Mattei, direttrore del MEET a Milano e Valentino Catricalà
Artisti: Chiara Passa, Davide Quayola, Auriea Harvey and Bianco-Valente.
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VIDEO POST > Fluid Current
VIDEO POST rilancia Fluid Current di Sander Hagelaar, installazione dinamica dove le gocce d’acqua completano il circuito elettrico e fanno si che la luce si accenda.
Sander Hagelaar, Fluid Current, 2020
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FRAME > NEOERBA
FRAME cattura Neoerba, installazione artistica sostenibile di Sugo, monumento che denuncia la degradazione causata dai rifiuti elettronici ma anche l’importanza delle schede dei circuiti informatici (PCB). Realizzata in in acciaio zincato e PCB riciclate e laminate a mano, la scultura integra un rivestimento bio-luminescente e un trattamento foto-catalitico testato dalla NASA. Questo sistema fornisce illuminazione naturale durante la notte e, in concomitanza purifica l’ambiente circostante da virus, batteri e inquinanti utilizzando solo la luce solare e l’aria.
Sugo, Neoerba, 2022, immagine via
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Premio Driving Energy 2024 – Fotografia Contemporanea
Terna, società operatrice delle reti di trasmissione dell’energia elettrica, il 7 marzo 2024, a Palazzo delle Esposizioni, ha inaugurato la nuova edizione del “Premio Driving Energy 2024 – Fotografia Contemporanea”, concorso fotografico gratuito aperto sia ai fotografi professionisti che a quelli amatoriali, finalizzato alla promozione e allo sviluppo culturale del Paese e dei nuovi talenti del settore.
Ci sarà tempo fino al 30 giugno per iscriversi al concorso, che quest’anno parte dal tema declinato poeticamente nel titolo La via dell’invisibile. Anche quest’anno tema caro all’azienda di trasmissione elettrica che, se l’anno scorso con Elogio dell’equilibrio, poneva l’attenzione sulla delicata operazione dell’azienda sull’importante ricerca dell’equilibrio tra energia elettrica prodotta ed energia elettrica consumata, quest’anno mette al centro della riflessione, da un lato la natura ontologica dell’energia elettrica, elemento quotidiano invisibile che riconosciamo solo dai suoi effetti, e dall’altro la ricerca di invisibilità delle infrastrutture che permettono la trasmissione di elettricità, dai cavi sotterranei e subacquei alla verniciatura mimetica all’ambiente dei pali elettrici.
Come gli scorsi anni il tema funge da doppio pretesto: quello di raccontarsi e puntare i riflettori sui diversi aspetti dell’azienda che sponsorizza il Premio e come ispirazione per la produzione fotografica del concorso, quest’anno aperta, dunque, all’invisibile, a ciò che è senza vedersi, fenomenologia della presenza/assenza.
I premi saranno anche quest’anno 5: Premio Senior (dal valore di 15.000 euro), Premio Giovani (fino a 30 anni) e Premio Amatori (entrambi dal valore di 5.000 euro) e Menzione Accademia e Menzione Opera più votata da Terna (entrambi da 2.000 euro), che oltre alla ricompensa in denaro riceveranno una non indifferente notorietà, così come in parte la riceveranno tutti i finalisti del premio, grazie alla mostra (che sarà gratuita) curata da Marco Delogu, presidente di Palaexpo, proprio negli spazi di Palazzo delle Esposizioni, nel prossimo autunno, e alla successiva produzione del catalogo.
A scegliere i lavori in mostra e i vincitori dei diversi premi ci sarà una giuria di personalità di alto profilo nel settore fotografico e artistico in generale: il già citato Marco Delogu, Lorenza Bravetta, curatrice Fotografia, Cinema, New media per la Triennale di Milano e Direttrice del Museo dell’automobile di Torino, Francesca Barbi Marinetti, critica d’arte, curatrice, imprenditrice culturale e ideatrice di eventi culturali, Micol Forti, curatrice della Collezione d’Arte Moderna e Contemporanea dei Musei Vaticani, Rosa Alba Impronta, imprenditrice e creatrice della Fondazione Made In Cloister a Napoli, i fratelli D’Innocenzo, registi, sceneggiatori, poeti e fotografi e David Massey, Direttore Relazioni Esterne e Affari Istituzionali del Gruppo Terna. Inoltre il Premio Accademia verrà scelto da un Comitato d’onore di cui fanno parte tutti i vincitori del Premio dell’anno scorso.
“Il 2024, per il Premio Driving Energy, è con ogni probabilità l’anno della consacrazione, un risultato straordinario per un progetto nato solo due anni fa. La terza edizione del concorso prende il via beneficiando dell’intenso lavoro svolto finora con Terna: il Premio è diventato oggi un appuntamento molto atteso dagli addetti ai lavori ed è riconosciuto come tappa fondamentale della fotografia contemporanea in Italia.” ha dichiarato Marco Delogu, delineando, dunque, un sempre più importante peso dell’evento, sia per quanto riguarda la sua funzione di vetrina, sia di ricerca, di un Premio, in fondo, neonato e già ritagliatosi uno spazio di rilievo nel panorama della fotografia contemporanea.
Immagini (cover) Card Premio Terna 2024, (1-2) Conferenza stampa, a Palazzo delle Esposizioni, di presentazione dell’edizion 2024 del Premio, con Marco Delogu, presidente di Palaexpo e curatore del Premio, Igor De Biasio, presidente di Terna e David Massey, Direttore Relazioni Esterne e Affari Istituzionali di Terna.
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Shu Lea Cheang. Premio LG Guggenheim 2024
Il Museo Solomon R. Guggenheim e LG destina a Shu Lea Cheang il Premio LG Guggenheim 2024. La pioniera della Net art, la cui pratica interdisciplinare si estende per oltre trent’anni, è la seconda premiata nell’ambito della LG Guggenheim Art and Technology Initiative, collaborazione quinquennale tra l’istituzione Newyorkese e LG, innovatore tecnologico e leader globale nei settori dell’elettronica di consumo, dei prodotti chimici e dei componenti automobilistici, per sostenere e promuovere gli artisti che lavorano all’intersezione tra arte e tecnologia.
“Shu Lea Cheang è stata una delle prime a riconoscere il potenziale liberatorio del regno digitale. Celebriamo le sue audaci esplorazioni dei corpi, e dei loro desideri, nei nostri mondi digitali e analogici, e siamo entusiasti, insieme a LG, di riconoscere il suo necessario lavoro”, affermano la vice direttrice Naomi Beckwith, e Jennifer e David Stockman, Chief Curator del Guggenheim.
Dagli anni Novanta si è occupata di tecnologie emergenti (spesso fin dalla loro nascita) come strumento, come tema ed in innumerevoli forme, sviluppando una notevole comprensione della loro complessità e del loro ruolo nel plasmare la società. L’uso del codice, dei motori di gioco, del design del software, delle strategie di hacking e di mezzi tradizionali come installazioni, film e performance nei suoi progetti multiformi riflette il suo approccio unico al fare arte, fuori da ogni categoria prestabilita.
Oltre al suo lavoro pionieristico nella Net art, ha avuto una visione anticipata delle valute alternative e delle organizzazioni decentralizzate con Garlic=Rich Air (2002-), ha indagato le società gamificate con Bowling Alley (1995), ha sondato le biotecnologie in Locker Baby Project (2001-2012) e ha esplorato la loro natura mutevole in Mycelium Network Society (2017-).
Il suo lavoro è profondamente radicato nei suoi interessi per la fantascienza, l’estetica queer e la costruzione di comunità. Le sue esplorazioni delle strutture sociali nelle società in rete hanno fatto progredire la comprensione della circolazione delle informazioni e dei modi in cui le persone comunicano. Ha utilizzato strumenti di comunicazione analogici in Those Fluttering Objects of Desire (199293), sensori di movimento e sistemi di gestione dei dati in BabyPlay (2001), per sviluppare un approccio tecnologico alternativo basato sulla produzione condivisa. È anche un’affermata regista e ha prodotto e diretto quattro lungometraggi: Fresh Kill (1994), I.K.U. (2000), Fluidø (2017) e UKI (2023). L’installazione di Cheang, Utter (2023), è un esempio di come negli ultimi anni abbia rivolto la sua attenzione alle implicazioni sociali dell’apprendimento automatico.
“L’opera di Shu Lea Cheang è stata eccezionale tra le candidature di spicco. Le sue opere dinamiche presentano un’energia prorompente, palette di colori ipnotici e installazioni altamente complesse, giocose ed esteticamente piacevoli. In esse, l’artista rende la porosità tra il dominio fisico e quello digitale, offrendo al pubblico amalgami stimolanti con cui confrontarsi.
Traendo ispirazione dalla letteratura e dai film di fantascienza e dai videogiochi, i progetti e le sperimentazioni di Cheang nel campo dell’arte e della tecnologia presentano un’affascinante panoramica delle tecnologie avanzate. L’artista offre continuamente nuove chiavi di lettura dei cambiamenti tecnologici e dei loro effetti sulle nostre società e la sua vasta produzione è, e rimarrà, molto influente per generazioni. Siamo onorati di sostenere la sua pratica innovativa attraverso questo prestigioso premio”.
Cheang riceverà un onorario non vincolato di 100.000 dollari per celebrare i suoi risultati innovativi in questo campo. La giuria di quest’anno era composta da Eungie Joo, Curatore e Responsabile dell’Arte Contemporanea del San Francisco Museum of Modern Art; Koyo Kouoh, Direttore Esecutivo e Curatore Capo dello Zeitz Museum of Contemporary Art, Città del Capo; Noam Segal, Curatore Associato LG Electronics, Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Carolyn Christov-Bakargiev, Direttrice del Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Torino; e Stephanie Dinkins, artista e destinataria inaugurale del Premio LG Guggenheim.
LG Guggenheim Prize 2024. Shu Lea Cheang
Shu Lea Cheang, sarà festeggiata il 2 aprile in occasione del 2024 YCC Party sponsorizzato da LG Display. Altri tre artisti saranno premiati fino al 2027.
Un programma pubblico nel Peter B. Lewis Theater il 2 maggio sarà l’occasione per ascoltare direttamente l’artista che parlerà della sua pratica creativa e dei nuovi lavori in fase di sviluppo.
Shu Lea Cheang è un’artista e regista americana, taiwanese e francese. Celebrata come pioniera della Net art con Brandon (1998-99), la prima web art commissionata dal Museo Solomon R. Guggenheim di New York, Cheang ha rappresentato Taiwan con 3x3x6, un’installazione a tecnica mista alla Biennale di Venezia del 2019: May You Live In Interesting Times. I suoi lungometraggi sono stati proiettati alla LAS Art Foundation di Berlino, al Centre Pompidou di Parigi, al Museum of Modern Art di New York, all’Institute for Contemporary Art di Londra e in molte altre sedi. Ha esposto in molte istituzioni sperimentali e affermate, tra cui Walker Art Center, Minneapolis; Whitney Museum of American Art, New York; Centre de Cultura Contemporània de Barcelona; Tai Kwun, Hong Kong; Museion Bolzano, Italia; Singapore Art Museum; Hammer Museum, Los Angeles; Onassis Cultural Centre, Atene; Museo Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Palais de Tokyo, Parigi; FACT Center, Liverpool. Ha partecipato a mostre internazionali come la Whitney Biennial for American Art (1993, 1995); la Johannesburg Biennial (1997); Documenta 14 (2017); la Gwangju Biennial (2018); la Taipei Biennial (2018); la Performa Biennial (2019); la Biennale di Venezia (2003, 2019, 2024). Le sue opere sono presenti nelle collezioni del Whitney Museum of American Art di New York, del Solomon R. Guggenheim Museum di New York, del NTT InterCommunication Center di Tokyo, del Walker Art Center di Minneapolis, della Fondazione KADIST, della Fondazione Museion, del Centre Pompidou di Parigi e del Museum of Modern Art di New York.
immagini (cover 1) Shu Lea Cheang, «UKI», 2023, still, digital color video, with sound, 80’ (2) Shu Lea Cheang, «Baby Love» (from «Locker Baby Project»), 2005. Networked media installation, dimensions variable. Installation view: «Baby Love», Palais de Tokyo, Paris, December 8, 2005–January 8, 2006. Photo: Florian Kleinefenn (3) Shu Lea Cheang, «Uttering», 2023. Digital color video, silent, 36 min., 26′ (4) Shu Lea Cheang with Dondon Hounwn, «Hagay Dreaming», 2023, performed at Taipei Backstage Pool, Taiwan, October 28–29, 2023. Documentary photograph. Photo: Hsun Lang Lin
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Intervista | Pietro Cardarelli
Lavorare con la luce è un’arte complessa, soprattutto quando la luce stessa si fa soggetto di vita. Luce emozionale, luce intima, luce che danza. Pietro Cardarelli, lighting e visual artist, mescola ogni giorno lighting design, live video, videomapping, live media, graphic design, scenografia contemporanea e perfoming art.
Nato sotto il segno dell’Ariete, Pietro esplora le costellazioni della luce consegnandoci lo stupore magico della ribalta, illuminando la parte più profonda di ognuno di noi nel momento che ci attraversa e ci fa ‘riflettere’.
Giorgio Cipolletta: Raccontami della tua ricerca artistica. Come inizia e in che direzione si sta evolvendo? Puoi descrive il tuo lavoro, i tuoi metodi, le tue fonti di ispirazione?
Da che ne ho memoria, la luce ha sempre occupato i miei pensieri, in qualsiasi sua forma. Un fascino irresistibile, da sempre, quasi fossi una falena.
La mia ricerca si basa prevalentemente su due campi: la manipolazione dello spazio attraverso la luce e la luce intesa come elemento fisico con una sua vita propria, in grado di interagire con tutto ciò che essa avvolge. In altre parole la luce può essere esperita come un’essenza capace di vivere autonomamente e generare relazioni con l’Altro.
Il mio lavoro inizia con il desiderio di attivare queste relazioni.
La luce è un attore sulla scena, un musicista sul palco, un danzatore nello spazio, un artista luminoso che trascina il pubblico rendendolo partecipe.
Da questo percorso, che ho mosso insieme a molti altri artisti di settori diversi, sono arrivato ad un lavoro più intimo e personale dedicato alla manipolazione spaziale attraverso la realizzazione di installazioni e ambienti immersivi in cui il pubblico potesse compiere un percorso di relazione a partire dallo spazio esterno fino ad annullarlo e arrivare al proprio spazio interiore.
La luce abbraccia totalmente la mia ricerca multidisciplinare. Essa rappresenta intimità e allo stesso tempo, spazio visuale, tecnologia e fenomeno di ‘riflessione’.
James Turrell e Ólafur Elìasson sono stati, e sono ancora oggi, grande fonte di ispirazione.
Non posso non citare Room for one color (1997) dell’artista danese, un’installazione folgorante per il mio percorso. Così come sono assolutamente fondamentali artisti più recenti come Robert Henke o Yann Nguema.
Quando inizio un nuovo lavoro mi pongo sempre in un’ottica di studio, conoscenza profonda e rispetto per l’artista che devo ‘vestire’ o lo spazio da ‘abitare’. Una volta entrato in empatia con la luce, cerco semplicemente di diventare il primo spettatore dei miei lavori. Cerco di raggiungere, quanto più possibile, quella soglia di stupore ed emozione in grado di sorprendermi per primo.
Portare la luce, per me elemento vivo, deve essere un gesto quasi ‘magico’, quell’elemento nel realismo magico che porta una variazione nello spazio conosciuto del reale. Altro passaggio fondamentale però è lo studio, attento, meticoloso al limite del maniacale. Così come voglio rispettare lo spazio o l’artista che ospiterà la mia luce, altrettanto cerco di rispettare la luce stessa. Se questa ibridazione funziona, allora il pubblico si troverà in una dimensione immersiva attraverso la quale potrà vivere profondamente questa condizione ‘di rapimento estatico’.
Qual è il segreto della luce? Che rapporto hai con essa?
Prima di tutto, bisognerebbe dedicare una riflessione alla fisica quantistica, ma non è questa la sede per farlo, ma sicuramente occorre tenere presente la dualità della luce (particella/onda) come fulcro della mia ricerca e studio profondo sulla vera della sua natura ‘viva’.
Perché parlo di vita? Perché il suo essere fisico interagisce con noi e vive con noi attraverso i nostri occhi, ci fornisce la visione di quella che consideriamo realtà.
Nel corso dei laboratori sulla luce, che mi è capitato di tenere, ho potuto sperimentare la capacità che hanno le persone di ‘sentire’ la luce anche non vedendola.
Il mio rapporto sempre più stretto con la luce si basa su due elementi fondamentali: la percezione ‘fisica’ della luce e la luminanza. Quest’ultima viene descritta come la «qualità-quantità» della luminosità che arriva nella nostra retina. Questo rapporto tra l’intensità luminosa emessa da una sorgente nella direzione dell’osservatore e l’area apparente della superficie emittente così come vista dall’osservatore determina il fenomeno dell’esperienza della luce stessa.
Partendo dalla consapevolezza di una «soggettività» della realtà, la mia produzione artistica si muove proprio catturando la parte percettiva, interiore ed emotiva della luce. L’universo che esploro è legato proprio al concetto di spazio e luogo. Infatti nei miei lavori parlo di ‘manipolazione’ dello spazio, perché si va ad agire in quel confine tra percezione e luminanza. Per capire meglio, è quell’effetto, Ganzfeld che Turrell elabora nelle sue opere, dove la luce che vede lo spettatore (senza che egli ne veda la fonte) è solo la sua percezione: uno spazio-mente. Per fare un altro esempio, l’installazione, per la performance Schönheit (2023) che ho realizzato nella foresta di Aaper a Düsseldorf si basa proprio sul principio dell’alterazione della percezione spaziale. L’installazione è invisibile, i dispositivi nascosti sono nell’ambiente naturale e ciò che si va a catturare è proprio la natura stessa della foresta, la luce naturale del sole. Solo stando nell’area della performance il pubblico ha la percezione di un’alterazione sensoriale, ma allo stesso tempo la foresta rimane tale con la sua vegetazione naturale.
Ci racconti del progetto della lampada Birth? Che cosa è? Come funziona? Dove l’hai già sperimentata e hai intenzione invece di portarla? Qual è la sua caratteristica principale?
La lampada Birth nasce in realtà da una sorta di ‘ossessione’, un sogno nel cassetto nato dalla necessità di avere un dispositivo luminoso molto versatile e che potesse essere anche presente e con un corpo minimal e sottile. Questa luce ideata e creata assume le sembianze del classico faro-luce e allo stesso tempo sprigiona vita, perché diventa esso stesso performer.
La lampada Birth ha una sua grande versatilità capace di creare multi-effetti e diverse tipologie di luce.
Birth è una lampada ‘emotiva’ in grado di adeguarsi alle varie suggestioni e interagire con i danzatori, attori, musicisti, etc…
La lampada ha la grande capacità sia di generare luce attraverso l’interno che quella di modificare la luce riflessa. La forma di Birth evoca una stella prodotta da delle estrusioni di elementi prismatici simili a quelli che si trovano all’interno dei fari motorizzati attualmente in commercio.
Attualmente esistono solo sei esemplari di Birth. La lampada è stata realizzata grazie alla collaborazione professionale di Tecno Service di Ernesto Ottavi e Realizzazioni Castelli e Fanini. Le lampade Birth hanno accompagnato il concerto di Sergio Cammariere, di Anne Paceo, degli Yellowjackets, di Dee Dee Bridgewater e di Emiliano D’Auria.
Attualmente le Birth sono impegnate a danzare insieme a Giosy Sanpaolo nel progetto “15e36” della compagnia di danza contemporanea Hunt. Questo progetto, a cui tengo moltissimo, mi permette di interagire intimamente con la performer, come un passo a due: corpo e luce che danzano insieme. In futuro vorrei invece impiegarle in un’installazione, a cui sto lavorando, dove le lampade possano rispondere e interagire con il pubblico direttamente attraverso un sistema di sensori.
Nella tua carriera hai avuto l’occasione di mescolare digital art, pure light, installation art for performing e lighting for music, come riesci a mescolare e gestire le arti?
Il mio lavoro non è solo individuale, anzi spesso sono in collaborazione e a supporto di altri artisti. Ho cercato da sempre di portare la luce, con le sue sfumature e forme e una continua ricerca tecnologica, realizzando molti progetti con diversi artisti. L’idea su cui la luce prende forma nei miei progetti, mi ha permesso di dare totale libertà al suo spettro che avvolge ogni campo artistico. Desidero sempre di superare i limiti della luce e continuamente attraverso teatri, musei, ma anche piazze, spazi industriali o addirittura aziende. Ciò che amo della luce è proprio la sua versatilità e la sua capacità di essere intrinsecamente site-specific.
Personalmente, a ogni lavoro, mi colloco sempre come un soggetto in più in legame con il performer, ma non solo, può essere un un grafico, un architetto o qualsiasi altro soggetto. In altre parole la luce si fa soggetto attivo e co-protagonista di ogni lavoro.
Riguardo al tuo legame con la luce, pensi che l’artista abbia una responsabilità sociale e quindi essere strumento di coscienza collettiva?
Personalmente, come per molti artisti, sento una responsabilità sociale dovuta dalla grande comunicabilità dei media che ho scelto di usare per il mio lavoro. In tutti i miei progetti c’è sempre una componente di riflessione per il pubblico. Ogni lavoro nasce da idee che presuppongono una necessità di comunicazione profonda. Nella mia ultima installazione immersiva nel verde, Growing Lights, lo spettatore viene invitato a vivere questa esperienza con lentezza, riappropriandosi del luogo illuminato.
Oltre all’aspetto estetico di una nuova illuminazione con i molteplici “punti di vista” che posso creare, sicuramente, c’è una riflessione sui temi ecologici, dettato anche dal tema del surriscaldamento globale, che investe oggi la discussione collettiva.
Attraverso i miei studi e i miei lavori con l’intelligenza artificiale, molto prima dell’ondata globale a cui stiamo assistendo ora, mi sono sempre messo nell’ottica di esplorarla dal punto di vista umano e del rapporto uomo-tecnologia. L’essere umano (con la sua emotività) insieme alla luce (con la sua percezione sensibile) sono ‘i registi’ dei miei progetti.
La luce è un fenomeno complesso, pensiamo alla frase ‘venire alla luce’ per indicare la nascita, la vita e da sempre è elemento naturale, nonché rappresentato nell’arte pittorica.
Questa azione del ‘venire alla luce’ (al mondo) per me oggi rappresenta l’approdo ad una conoscenza profonda soprattutto di sé, della propria interiorità e del rapporto del sé con la società e la realtà circostante.
L’Arte per me non è pura elucubrazione mentale, ma un grande strumento di comunicazione sociale, perché essa è in grado di parlare in luoghi dove altri mezzi non riescono a dialogare. Perciò, per me, l’artista ha anche un dovere etico-morale, se così si può dire, perché il suo lavoro non è fine a se stesso, ma intrinsecamente veicola già un messaggio. Nel panorama dell’arte contemporanea oggi, forse il mio pensiero può risultare un po’ naïf, ma credo sia molto importante riportare alla discussione alcune argomentazioni, che forse non sono più banali e scontate. Molto spesso oggi, quando tengo dei corsi e delle lezioni, noto che si è molto più interessati a realizzare il «cool tecnologico» fine a se stesso, piuttosto che usare la luce semplicemente come un mezzo di comunicazione profonda ed emotiva.
Un progetto che hai in mente, ma che ancora non hai realizzato.
Il rapporto tra luce e scienza è un campo che ho iniziato ad esplorare andando oltre la ricerca tecnologica. Attualmente sto lavorando con la Dott.ssa Bruna Corradetti del Baylor College of Medicine di Houston, con la quale stiamo sviluppando un progetto tra arte e ricerca del comportamento cellulare umano. La fusione tra tecnologia, arte e biologia darà vita ad un progetto interattivo che possa essere non solo riflessivo per il pubblico, ma anche, e soprattutto, utile in campo medico per l’esplicitazione di importanti e innovativi ‘punti di vista’ nella ricerca stessa. Anche in questo progetto, ovviamente, al centro c’è la luce con la sua emotività generata dai soggetti coinvolti e da chi permette questo: luce soggetto-oggetto umano.
Questa ricerca attualmente è molto appassionante e spero che questo progetto possa vedere la luce molto presto.
PIETRO CARDARELLI è scenografo, Lighting e Visual Artist e Creative Director. Produzione artistica, grafica, dalla promozione all’immagine dei live (lighting design, live video, videomapping, live media, graphic design, scenografia contemporanea, allestimenti e installazioni), perfoming art, video arte e digital art sono le espressioni artistiche che portano Pietro a lavorare come Creative Director per cantanti, artisti, band e produttori musicali, stilisti, coreografi, strutture d’arte ed aziende. È inoltre docente per diversi corsi di formazione (“Manipolazione Creativa dello Spazio”, “Visual Art”, “Lighting Design”. Dal 2016 al 2020 fa parte del board scientifico per progetti di rigenerazione urbana creativa (“SPACE – Spazi Creativi Contemporanei” e “Invasioni Contemporanee”). Partecipa a diverse mostre e collettive d’arte in Italia e all’estero. Dal 2014 è progettista e lighting e visual artist per il compositore, autore e musicista Dardust (Dario Faini) curando tutte le date dei tour in Italia e all’estero. Dal 2015 è responsabile lighting designer e visual art director per i progetti “Pyanook” e “PyanookLab” del musicista e compositore Ralf Schmid presso lo studio Kubus dello ZKM di Karlsruhe e la Humboldtsaal di Freiburg (Germania), debuttando al live europeo Neue Meister Music a Berlino. Collabora inoltre con lo studio di ricerca per la realtà aumentata MarbleAR di Los Angeles. Dal 2019 è lighting e visual artist per il coreografo e performer Morgan Nardi presso l’FFT a Düsseldorf (Germania) dove nel 2020 realizza diverse installazioni digitali interattive una nel centrale Hofgarten, nel 2022 nel Northpark e nel 2023 nella foresta di Aaper. Nel 2021, come artista, è firmatario del Manifesto Internazionale della Light Art. Nello stesso anno crea il progetto di ricerca “Yūgen_a mood place”© sull’interazione tra la luce e il cibo. Nel 2023 realizza una serie di installazioni di luce nell’area industriale dismessa ex Sgl-Carbon (Ascoli Piceno). Parallelamente crea la lampada “Birth”©, utilizzata nei concerti di Sergio Cammariere, Yellowjackets, Anne Paceo e Emiliano D’Auria Quartet. L’ultimo lavoro a cui partecipa è “Yume” di Elisa Maestri, un progetto di MeTe Teatro/La Casa di Asterione, dove luce e disabilità si fondono.
immagini: (cover 1) Pietro Cardarelli, «LampadaBirth», 2023 (2-3) Pietro Cardarelli, «Phisiologus», 2019 (4) Pietro Cardarelli, «Pea Wall», 2018 (5-6) Pietro Cardarelli, «Schönheit», 2023 (7) Pietro Cardarelli, «Phisiologus», 2019 (8) Pietro Cardarelli, ritratto
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VIDEO POST cattura il post Instagram di Chen Yi per rilanciare Windy Field, installazione meccanica di LuxuryLogico, collettivo fondato nel 2010 da Chen Yi, Lin Kun-ying, Chang Keng-hau e Chang Geng-hwa e dalle loro diverse formazioni e prospettive.
LuxuryLogico, Windy Field, 2021 – 23
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